MUSICA CONTEMPORANEA
La música contemporánea es la que se ha creado a partir de la retirada del modernismo a mediados de los años setenta, aunque en ocasiones se suele incluir de forma más amplia a todas las formas académicas de la música pos tonal luego de la muerte de Antón Webern y del término de la Segunda Guerra Mundial.
A comienzos del siglo XX la música contemporánea incluía al modernismo, el serialismo dodecafónico, la atonalidad, un mayor número de disonancias sin resolución, la complejidad rítmica y la música neoclásica. La música contemporánea de los años cincuenta (50’s) en general implicaba alguna forma de serialismo.
En los años sesenta (60’s), serialismo, indeterminación, y música electrónica, incluyendo música por computadoras, arte mixto, performance y el grupo Fluxus; y desde entonces ,música minimalista, posminimalista,
En los setentas (70’s) se incrementó la variedad estilística. La primera es una continuación de la tradición modernista de la vanguardia, incluyendo a la música experimental. La segunda está conformada por las escuelas que buscan revitalizar un estilo basado en la armonía tonal de siglos anteriores (neotonalismo). La tercera se centra en la armonía tríadica no funcional, ejemplificada por los compositores de música minimalista y otras tradiciones similares.
MOVIMIENTOS DE LA MUSICA CONTEMPORANEA
Movimiento Moderno
El modernismo se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la música de películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje de la música modernista.
Posmodernismo
El posmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico señaló que una manera fácil de encontrar «posmodernismo» es buscar la palabra «nuevo» en el nombre de algún movimiento. Sin embargo, en una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen siendo la realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales naciones industrializadas, el posmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la expresión artística.
Poliestilismo
Es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna. Compositores poliestilísticos son, por ejemplo: ValentinSilvestrov, Lera Auerbach, William Bolcom, etc.
Conceputalimo
Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical seobtiene del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual encontró a su mejor representante en John Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’ 33” (John Cage, 1952) que consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso pianistaDavid Tudor que se sentó al piano sin tocarlo realmente en ningún momento durante los 4 minutos y 33 segundos. Otraobra importante de este estilo es 56 Blows, una obra que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el Senado de EE. UU
Minimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva composición. Philip Glassh ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On the Transmigration of Souls de John Adams, ganó un Premio Pulitzer .Steve Reich ha explorado la ópera electrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo música instrumental. Pero más allá de mismos minimalsitas, los tropos de la armonía triádica no funcional son ahora un lugar común, incluso en compositores que no son reconocidos como minimalistas propiamente dichos.
Eclecticismo
Con un amplio rango de estilos de interpretación, muchos compositores contemporáneos trabajan combinando estilos, una técnica llamada poliestilismo, o combinando incluso múltiples géneros musicales. Un compositor muy influyente de este tipo es Frank Zappa, y en círculos más jazzísticos John Zorn.
COMPOSITORES
Ígor Fiódorovich Stravinski fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.
Su larga existencia le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—:
El pájaro de fuego ,Petrushka (1911)
La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913).
Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Carl Orff fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o método Orff') que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia. A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó elementare Musik (música elemental) que estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas, involucrando al tono, la danza, la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por el emigrante Ruso-Francés Igor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las bodas, una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda. El trabajo más famoso de Orff, Carmina Burana, se basa en la homónima Carmina Burana, una colección de cantos goliardosde los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en Benediktbeuern en el siglo XIX.
Heitor Villa-Lobos fue un director de orquesta y compositor brasileño. Su música estuvo influida tanto por la música folclórica brasileña como por la música clásica europea.
Recibió cierta instrucción musical de su padre. Ya antes de 1899, año de la muerte de su padre, Villa-Lobos había empezado a dedicarse a la música como profesional. Actuó como músico de café tocando el violonchelo, si bien fue también intérprete ocasional de guitarra, clarinete y piano. Villa-Lobos tuvo también una segunda carrera como pedagogo de la música de su país. Diseñó un sistema completo de instrucción musical basado en la rica cultura musical de Brasil y arraigado en un profundo y siempre explícito patriotismo. Compuso música coral para enormes coros escolares de niños, a menudo sobre adaptaciones de material folclórico. Su herencia en el Brasil de hoy, uniforme entre las nuevas generaciones, es planteada con la escuela como una fuerte sensación de orgullo y amor entrelazada con sentimientos similares para su país.
Henri Dutilleux fue uno de los compositores franceses más importantes de la segunda mitad delsiglo XX, heredero de la tradición representada por Debussy, Ravel y Roussel, pero con un estilo propio distintivo. Aunque su producción es relativamente escasa —apenas treinta obras—, su calidad y originalidad han logrado un gran reconocimiento internacio nal. En 1970 Dutilleux fue nombrado profesor asociado del Conservatorio de París, puesto que ejerció solo un año, hasta 1971. Ese mismo año, el Festival de Aix-en-Provence de 1970 acogió el estreno de su primer concierto propiamente dicho, Tout un monde lontain, para violonchelo y orquesta. Mstislav Rostropóvich, su dedicatorio, tuvo que repetir a petición del público la interpretación, ya que una ráfaga del mistral impidió escuchar bien las partes orquestales.
Joseph Maurice Ravel fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por rev elar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert). Es con Jeux d’eau (Juegos de agua, escuchar) para piano, de 1901, que quedó afirmada la personalidad musical de Ravel, quien iba a mantenerse bastante independiente de la riqueza del patrimonio musical de su tiempo (aunque Ravel durante mucho tiempo haya llevado la etiqueta de «debussysta»). Curiosamente, esta vinculación tuvo un giro cuando algunos vieron una influencia raveliana en las piezas de Estampes (1903) de Debussy: esta polémica enfriaría las relaciones de ambos músicos. El estreno de Histories naturelles (1906) reavivó el asunto: Pierre Lalo, el crítico del Temps, estigmatizó este arte de «café-concierto con novenas» que recordaba a Debussy, nueva querella que disgustó a los dos músicos.
Hilario Herrera es egresado de Iniciación Universitaria y del Bachillerato del plantel N° 2 “Erasmo Castellanos Quinto” de la Escuela Nacional Preparatoria. Realizó sus estudios superiores en musicología, canto, composición y la especialidad de Dirección Coral y Orquestal en el INSTITVTVM LITVRGIA E MVSICAE ET ARTIS “CARDENALIS MIRANDA”.
Actualmente es profesor asociado “C” de tiempo completo definitivo con pride “B” adscrito al plantel N° 2 “Erasmo Castellanos Quinto” en la materia de música IV y V del Bachillerato. En 2001 ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria, obteniendo la definitivitad como profesor de la Orquesta Sinfónica Juvenil de la preparatoria 2 en 2006 y en noviembre de 2010 gano en concurso de oposición abierto la plaza de profesor asociado “B” tiempo completo interino. Durante 12 años de antigüedad, el profesor ha tomado más de 20 cursos de actualización e impartido otros tantos para alumnos en sedes a lternas. A lo largo de su trayectoria se ha desempeñado como cantante de Música Sacra, como Coordinador de Proyecto de la producción del disco Sequenza 181 del Instituto Cardenal Miranda S.C./UNAM, como solista y corista del Coro “Tutti In Sieme” y el Coro Juvenil de la delegación Iztacalco, como asistente del profesor Manuel Carrillo Soriano, Director y Maestro de la “Rondalla del Recuerdo” de la ENP, como maestro de cuerdas en el Coro Promúsica, como creador y director del coro “Cappella Iztacalco”, como profesor de guitarra del plantel N° 2 “Erasmo Castellanos Quinto” y como Pianista Acompañante del Grupo de Danza Regional del mismo plantel
